柯文辉在《知白守黑》中说道：中国画家有时候把画什么放在第二位，这并不是他不重视题材，他要更加集中自己的力量在怎么画上用功夫。平常景色，像一个人终生没有大起大落，传奇文学家很难找到用武之地。他说，19世纪末，契科夫登上文坛，平淡无奇的故事，他都能从人性的深层，展示夺人视线的光彩。

紫藤，本是张锡杰笔下最常见的题材，然而今年他笔下的这些紫藤，却面目全非，让人眼前一亮。那些看起来非常普通的植物，似乎在有意无意间，很轻松地排列在你的面前，枝条充满了活力，花朵又展现了朦胧的美意，简约却不失繁华，夸张却不失真实，抽象却不失形象，停留在似与不似之间，仿佛穿越我们的梦境。似乎，这些枝藤一经画家点画，就有了一种新的生机和活力，就有了一种新的绮丽和生命。难怪他总是说：生机即是美！眼前这些紫藤，看起来是经画家轻描淡写，细细品味，却倍感是他过心之作。仿佛看到一个个素雅的仙女，翩翩起舞，那种美，素而雅，雅而新，新而奇，奇而丽，丽而生辉，不经意间就触动了你的心灵，我想，即使朱自清先生见了也会不由得感叹：那是怎样一种美呀！

一幅画，不要去管是谁画的，怎样画的，画的是什么，只要感觉它美，它就是美的，就是一幅好画。

正是应了柯文辉先生那句话：“画面无尽的美，与诗的美一致。”可谓画中有诗，诗中有画。

“生活为我出新意，我为生活写精神！”（石鲁），平淡出新奇，奇中见精神，这正是张锡杰近年来对中国画艺术的追求。

我们时常有这样一种经历，就好比一道菜，同样是家常白菜，一个好的厨师精心烹调，却能让人回味无穷。一个好的艺术家也是如此，他总是能够让人感觉到  越平常越有味的东西，把一种美从你平淡的生活中呼唤出来。

正是这样的画面打动了我的心灵，以至于与之有了内心的共鸣，张锡杰发现了这些平凡的物象深处中的个性，并在笔墨的表现里饱蘸了浓浓的一笔人情味。“那人情味更像一个老人摸着小孙子的头发回忆很多很多，孩子呆呆地站在那很高兴的傻笑。愿我们有孩子的单纯，老人丰厚的感受，请他们一块儿来看懂这些创作。（柯文辉）”。

宗白华在《论中国的绘画》中说：中国绘画里所表现的最深心灵究竟是什么？答曰，它既不是以世界为有限的圆满的现实而崇拜模仿，也不是向一无尽的世界作无尽的追求，烦闷苦恼，彷徨不安。它所表现的精神是一种“深沉静默地与这无限的自然，无限的太空浑然融化，体合为一”。它所启示的境界是静的，因为顺着自然法则运行的宇宙是虽动而静的，与自然精神合一的人生也是虽动而静的。它所描写的对象，山川、人物、花鸟、虫鱼，都充满着生命的动——气韵生动。但因为自然是顺法则的，画家是默契自然的，所以画幅中潜存着一层深深的静寂。就是尺幅里的花鸟、虫鱼，也都像是沉落遗忘于宇宙悠渺的太空中，意境旷邈幽深。至于山水画如倪云林的一丘一壑，简之又简，譬如为道，损之又损，所得着的是一片空明中金刚不灭的精萃。它表现着无限的寂静，也同时表示着是自然最深最后的结构。有如柏拉图的观念，纵然天地毁灭，此山此水的观念是毁灭不动的。

花鸟画也是如此，一如张锡杰的这些紫藤，它在做过细心的调整之后，将画面简单到了至简的地步，但你依然可以看到大片大片的花朵，盛开着对春的眷恋。有人说，这些紫藤太不像了，你问他是什么，他依然回答感觉就是紫藤。我想，这就是画之巧妙，在似与不似之间。你看到的不是花（至少不是生活中的），但你却能感觉到它的存在（内心的确有花的存在），它的美妙，它的芬芳。在这样的诗情画意中，你仿佛可以闻到那些花香，在无限寂静的同时，你的内心和画面迅速默契，同时抵达心灵的春天。

宗白华指出，中国画家不是以一区域具体的自然景物为“模特儿”，对坐而描摹之，使画境与观者、作者相对立。中国画的山水往往是一片荒寒，恍如原始的天地，不见人迹，没有作者，亦没有观者，纯然一块自然本体、自然生命。所以虽然也有阴阳明暗，远近大小，但却不是站立在一固定的观点所看见的 Plastic（造型的）形色阴影如西洋油画。中国画中不是没有作家个性的表现，他的心灵特性是早已全部化在笔墨里面。有时亦或寄托于一二人物，浑然坐忘于山水中间，如树如石如水如云，是大自然的一体。

西汉刘安有言：“画者谨毛而失貌。”现在很多人都在追求画的像，而很多国人也以“像”为好，甚至追求超写实，真正大写意的东西却看不懂，真正的艺术还是曲高和寡的。

“谨毛失貌”，意谓作画不能细逐微毛，否则，便会使画的大貌（整体）有失，即俗语所谓：拣了芝麻，丢了西瓜。

黄宾虹说：“绝似物象者与绝不似物象者，皆欺世盗名之画，惟绝似又绝不似于物象者，此乃真画”傅抱石曾列作画程序：不似（入手）——似（经过）——不似（最后）。

齐白石也提出妙在似与不似之间。他以为：太似为媚俗,不似为欺世。

因此，可以断定，看一幅画，太似，不一定不是好画，但一定不是最好的画。就好像练功夫，站桩已经达到了出神入化，但只能说他的基本功做的好，但这往往唬住很多外行的人，真的功夫一定是在基本功之上的。那么中国画最高的功夫，我感觉就是大写意，甚至抽象作品了。武功高强之人，他的造化已经到了可以在套路之外的灵活运用，天人合一。作画也是这样，真正撇开套路（技巧），按照自己内心去自由自在做画的，可谓高人，看看古今大家无不是如此。如张锡杰所言，意在笔先，尚且还未来得及思考，画就跃然纸上，但写心中逸气耳！

其实中国宋元山水画是最写实的作品，而同时是最空灵的精神表现，心灵与自然完全合一。花鸟画所表现的亦复如是。勃莱克的诗句：“一沙一世界，一花一天国”，真可以用来咏赞一幅精妙的宋人花鸟。一天的春色寄托在数点桃花，二三水鸟启示着自然的无限生机。中国人不是像浮士德“追求”着“无限”，乃是在一丘一壑、一花一鸟中发现了无限，表现了无限，所以他的态度是悠然意远而又怡然自足的。他是超脱的，但又不是出世的。他的画是讲求空灵的，但又是极写实的。他以气韵生动为理想，但又要充满着静气。一言蔽之，他是最超越自然而又最切近自然，是世界最心灵化的艺术，而同时是自然的本身。表现这种微妙艺术的工具是那最抽象最灵活的笔与墨。笔墨的运用，神妙无穷，也是千余年来各个画家的秘密，无数画学理论所发挥的（宗白华）。

总之，无论那一类国画作品，都不能像用照相机拍摄那样简单地复制客观物像，百分之百地再现细节的真实，而应该将艺术家对客观物像的主观认识充分描绘出来，以表现其思想感情和个性。

不要求将客观物像描绘得和眼睛看到的一模一样，而强调描绘美术家对客观物像的主观认识，调动各种美术手段，借以表现其思想感情和个性，这恐怕就是前辈美术家主张的“不似之似”的真谛。

“论画以形似，见与儿童邻”、“有似而不似，不似而似之意”、“乃神似，非形似也”、“妙在似与非似之间”、“不似之似为真似”，以上均为历代名家对意象造型的论述，由此决定了中国画造型的审美观。“由物生情，由情生象”造型由此产生在直觉和情感当中。

中国画的观察方法是心、性、情相结合，感悟客观世界的时候，不只是一时冲动，还要冷静的思考。头脑要清楚，保持静观的思绪，深刻而理智地感悟客观对象呈现出的“有意味的形式”。如清代画家八大山人的《荷花水鸟图》，孤石临水，疏荷斜挂，小鸟冷眼向天，孑然独立。作品造型夸张，构图新颖，笔墨老辣，感情丰富，深刻表达了画家高傲孤独的感情，是一幅难得的传世佳作。

经过长期的艺术实践，写意画代已进入全盛时期。经八大、石涛、吴昌硕等发扬光大，如今写意画已是影响最大、流传最广的画法。写意画主张神似。董其昌有论：“画山水唯写意水墨最妙。何也？形质毕肖，则无气韵；彩色异具，则无笔法。”明代徐渭题画诗也谈到：“不求形似求生韵，根据皆吾五指裁。” 写意画注重用墨。如徐渭画墨牡丹，一反勾染烘托的表现手法，以拨墨法写之。元代吴镇论画有云：“墨戏之作，盖士大夫词翰之余，适一时之兴趣，与夫评画者流，大有寥廓。尝观陈简斋墨梅诗云：意足不求颜色似，前身相马九方皋。此真知画者也。

再看张锡杰的这些紫藤，就不难理解了。他善于用简练的笔法描绘景物。写在熟悉的生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，色彩辉煌，气势恢弘，这样，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发他内心的感情。

自古描写紫藤的诗句很多：“紫藤挂云木，花蔓宜阳春。密叶隐歌鸟，香风流美人。”这是唐代李白的。“遥闻碧潭上，春晚紫藤开。水似晨霞照，林疑彩凤来。”这是唐朝李德裕的。“云溪一带净无沙，门对青山是我家。几日不来亭子坐，东风开过紫藤花。”这是明代刘泰的。“不道衰翁天倚著，藤花又让别人看。”这是清代朱彝尊的。

而张锡杰把这些诗句统统画进了自己的画中，今天我们看到的这些紫藤，从此，会在不同时间，不同季节，不同的地点，在你我的内心里，随时全然而开……

东风开过紫藤花，艺术也是这样。这是一个从技巧到内心的转变，一次艺术的历练和升华。由此，看张锡杰笔下的紫藤，我们兴庆获得了一次画家一样的大写意人生。从而，从他的画面里，走进他艺术的春天。

真的，你是一棵长得正旺的树，我是一朵开得正好的花。

2019.11.3于威海临港正棋花园